小剧场话剧与传统话剧的区别与优势

　 小剧场精彩纷呈的社会原因

　众所周知，小剧场话剧最早产生于19世纪末20世纪初的欧洲，是西方戏剧反商业化、积极实验和探索的产物。其最大特点：一是表演空间小、投资小、易于操作;二是剧目贴近生活、形式新颖，演员与观众接近;三是戏剧精神明显、先锋性较强。

　目前北京、上海等小剧场话剧活动颇为活跃。北京地区每年上演剧目总计约2000场次;随着《留守女士》《美国来的妻子》《情人》等一批新剧目的推出，上海也掀起了小剧场话剧热。有一些热爱话剧艺术的“志士仁人”还开创了“咖啡+剧场”的营销模式，即把小剧场话剧与酒吧经营“捆绑”销售。哈尔滨等地甚至还出现了话剧“以小带大”拯救话剧市场冲出低谷的局面。这一切都说明，小剧场话剧所产生的广泛社会效益，正在得到人们的认可。

　小剧场话剧为什么这么火爆?这与现代人生活节奏快、社会压力大、人与人之间缺乏沟通有关。“快节奏生活”带来的焦虑、“水泥森林”的物化阻隔、各行各业的千人“竞技”，使人们产生了强烈的“诉求”欲望，多方寻找“聚众”机会，求得心灵的慰藉。小剧场开放的交流，能为焦躁的心灵减压。剧中对社会热点、难点、焦点的还原或放大，能让观众产生强烈共鸣，有一个了解他人思想、审视自己内心、排揎寂寞、提升精神的机会，从而见贤思齐，积极向上。

　 演出形式与内容贴近心灵

　新时期的小剧场话剧剧本视野开阔、海纳百川，多以现实主义为主体，抒发在时代“挤压”下人的各种求生本能、欲望和挣扎，剧作从各个角度入手，寻求对传统现实主义的突破、发展和深化。

　从艺术的表现方法来看，北派小剧场话剧偏重于气势磅礴、内涵深厚的框架结构，审美以“大、重、厚、稠”为主，舞美注重画面的整体视觉冲击力，让观者从开阖大度、气势流畅的艺术氛围中感悟真性情、真本色，继而体悟剧中人物丰富的感情世界。比如《恋爱的犀牛》《盲人》《两只狗的生活意见》《达人未爱狂想曲》等剧作揭示了社会各阶层人们的生活情态，有恐惧、绝望、挣扎、希望、温暖，甚至还有死亡、幻灭，但其中不乏理想主义、人文关怀色彩。

　南派小剧场话剧大多注重局部雕琢，其审美偏好“精、巧、柔、逸”，通过细腻、阴柔、飘逸、秀美的表现手法，表现人物纤细委婉的心理过程。近些年，在全球化、市场化、城市化的背景下，南派小剧场话剧多偏重“都市情感”的表达。如上海近年推出的以白领为主要消费人群的剧目《美国来的妻子》《单身公寓》《陪读夫人》《上海作女》《九天半》《香水》等，极具小资情调。

　无论南派、北派，小剧场话剧的整体内核是观察百姓生活、展现世间百态，拒绝“高、大、全”，呼唤“真、善、美”，再加上其本身艺术构想自由灵活、包罗万象的特点，极大地刷新了观众固有的戏剧概念，拓宽了观众的欣赏视野。

　 艺术家成长的摇篮

　回望上世纪60年代，随着世界青年运动的兴起，各国青年纷纷以戏剧的形式来表达自己对世界和社会的看法，小剧场话剧又一次在欧洲、美洲、北美、亚洲各国兴起，美国知名的“百老汇”、“外百老汇”、“外外百老汇”;英国的“边缘戏剧”;法国的“大众戏剧”等相继推出了一大批经典剧目，也造就了一大批大师级的艺术家。

　中国自1982年林兆华导演的《绝对信号》作为中国小剧场话剧开端以来，至今有28年的发展史。国家话剧院小剧场培养出一批知名导演和明星。

　经过这些年的探索、积累、发展，小剧场话剧的表演完全摆脱了以往大舞台的“话剧腔”，更偏重运用一些原生态的手法，调动一切可调度的戏剧手段来表现人的内心世界。演出的台词、形体、舞美、灯光、服装、舞台调度处理，都呈现出与时俱进的风格。

　近年来，随着高等院校的扩招，大学生就业情况不容乐观。小剧场话剧的存在无疑给诸多热爱文艺的有志青年提供了一个施展才艺的广阔舞台，让一大批从事戏剧文学、导演、表演、舞美、化妆、营销等专业的`人才，通过小剧场积累了经验，为他们今后的发展打下了坚实基础。一件作品的完成，往往凝聚了编、导、舞、音、美等所有人员的心血，从这一角度说，小剧场是凝聚人、团结人、锻炼人、造就人、提升人的艺术“摇篮”。

　 小剧场话剧的优势与隐患

　与传统大剧场话剧相比，小剧场话剧优势明显：一是能与观众近距离接触、近距离交流，激发了观众的参与热情，满足了观众的好奇心。

　二是小剧场话剧灵活性强，荟萃百姓生活，具有生活气息浓郁、大众化气质鲜明的特点，让观众快乐放松的同时，得到艺术享受和思想共鸣。

　三是小剧场话剧结构小巧，制作成本较低，票价低廉，有低成本、高频率(演出)、易于传播、易于接受的优点，可随时随地深入到学校、工厂、各基层演出，创造出更多的经济与社会效益。

　四是剧院结合现代化经营管理经验和先进的网络售票系统，可创造出“话剧超市”的经营模式，如套票组合、情侣票联袂、团体票、包场票等多种方式，让群众欣赏戏剧如超市购物般便利、快捷。

　五是小剧场话剧能普及推广优秀社会文化，提高专业人士的戏剧创作水准，提升大众的艺术鉴赏水平，也为戏剧专业人士与爱好者们提供了一个交流的平台，将对城市的戏剧发展带来新的活力。

　在市场经济的冲击下，戏剧工作者们在创作手法、演出形式、表演风格方面不断探索，以求满足观众多元需求。小剧场话剧能透视并反映当今社会普遍现象，其平民化、亲民化色彩浓郁，互动性强，在丰富群众文化生活之外，还有很强的社会示范意义。

　但是，在兴盛繁荣背后，我们也应保持理性和警惕，对那些制约、戕害小剧场话剧健康发展的隐患和不良现象要大声说“不”。比如，在投资者急功近利思想的诱导下，一些毫无艺术价值的快餐文化，鱼目混珠喧嚣而上;为追求票房，一些人不惜突破底线，炮制低俗廉价的“荤段子”来“吸引”观众;商家利用观众“追星、逐名”的心理，打出明星、名人旗号，过度宣传，“诱骗”观众走进剧场，最后却惊呼“货不对板”等等。这些促销手段都是制约小剧场健康发展的“毒瘤”，需要观众们理性对待、勇敢批评，只有这样，小剧场话剧才能永葆活力和魅力。

有哪些不可错过的经典话剧？

赖声川导演的《暗恋桃花源》应该不用多说，还有孟京辉导演的《恋爱的犀牛》，经典剧目《雷雨》，《日出》其实也可以自己写简单一些的剧本，比如校园生活等，接地气的剧情应该很有意思。还有一个台湾的小剧场戏，金士杰老师演的《收信快乐》，只有两个人的对白，却特别感人。

什么是经典？经久流传，永不被忘记的就是经典的。

分享几部我会N刷的，某瓣评分很高的话剧：

老舍先生的代表作之一《茶馆》创作于1956年，1958年由北京人艺首演，此剧以老北京地区的一个普通茶馆作为舞台背景，浓缩了清末，民初，抗战胜利等3个不同的历史时期的社会风貌，每一幕写了一个时代。由王利发，秦仲义和常四爷领衔的多达70多个不同角色演绎了一副跨越时代的历史画卷。剧中故事全部发生在北京城一个茶馆里，茶馆里人来人往，汇聚了各色人物、三教九流，一个大茶馆就是一个小社会。

《茶馆》的经典意义就在于它反映了广阔的社会生活，揭示了不同时代的社会矛盾，表现了具有代表性的几个中国社会人物，表达了既有时代局限性又富有超越价值的社会主题。

采取了全新的戏剧结构，扁平的戏剧结构使得每个人的行为逻辑符合他们的人物身份，呈现出了真实又充满悲剧意义的芸芸众生像，《茶馆》尊为国剧且常年保持着高度的影响力，其社会革命价值和批判现实主义力度是历久弥新的。

1933年，23岁大学即将毕业的曹禺写出了经典话剧《雷雨》。1936年首场演出震惊上海，这一年被称为“雷雨”年，它的经典之处在于，标志着舶来的话剧在中国成熟。就连曹禺本人都表示，当初这个剧本的出现是他“一种情感的迫切需要”。

《雷雨》是一出四幕悲剧，剧作完全运用了三一律，叙述了两个家庭八个人物在短短一天之内发生的故事，然而在里面却牵扯了过去剪不断，理还乱的恩恩怨怨。展示的是一幕人生大悲剧，是不平等的社会里，命运对人残忍的捉弄。

在这出悲剧中，狭小的舞台上不仅突现了伦常的矛盾，阶级的矛盾，还有个体对于环境，时代强烈不谐调的矛盾，在种种剧烈的冲突中完成了人物的塑造。即使知道剧情，也会在观看舞台剧时随着情节发展而情绪起伏，这就是经典的力量。

陈忠实的《白鹿原》原著以关中平原上白鹿村两大家族祖孙三代的恩怨情仇，映照中国近半个世纪的历史变迁，是中国现代文学的扛鼎之作。以清朝末年民国初年的陕西为背景，讲述了白、鹿两家世代恩怨与纠葛。

话剧《白鹿原》由林兆华执导，总政话剧团团长孟冰担任编剧，演出时长超过两个小时，演职人员达到80余人。它的经典之处在于，剧中开幕和落幕都以老腔为主，而在展开剧情的时候则用秦腔做背景。

为了展示白鹿塬上的陕西风情，舞台道具是从陕西实地采集。手推车、窑洞、山坡坡……仅舞台上的道具就花了120多万元，而演员的服装，也全部是在特殊定做的。

戏剧结构上，剧中集中展示了巧取风水地、恶施美人计、孝子为匪、亲翁杀媳、兄弟相煎、情人反目等原著经典片段，戏剧冲突非常明显。

曹禺的《日出》是以20世纪30年代初期（抗战前）的天津社会为背景，以陈白露为中心人物，描写了资本主义入侵后腐朽的上层社会和悲惨的下层社会的种种活动和遭遇。表达了作者对现实生活强烈的爱憎和迫切期待东方红日的心情。是曹禺先生的代表作，富有鲜明的时代性和深广的历史内容。

话剧的经典在于腔调浓厚，几乎还原原著，其人物形象性格、故事情节、舞台布景、台词以及所要表达的思想和剧本相差无几。剧中以现实主义的手法向观众呈现出一幅抗战前夕的封建社会的真实图景，塑造了多个具有时代特征的典型化人物代表，从观感上可以感受到历史的真实性、社会性与残酷性。

讲述近乎报废的“凯恩号”战舰在一次执行战斗任务时，在南太平洋海面上遭遇到强台风。舰长魁格和副舰长兼执行官发生了意见分歧，因此爆发了美国海军历史上最为著名的一次哗变事件。

话剧《哗变》经典之处在于：让话剧回到语言艺术本身。纯粹以对话推动情节发展，回归了话剧艺术以“话”取胜的根本，比较特别和吸引人。

正如在宣传时强调的“让话剧回归它的名字“，剧中人物的大量对话，组成了复杂的语言网络，为剧情服务。从头说到尾的审判过程，除了法官的提问就是当事人的答辩，在来回的问答之中，清晰呈现出戏剧事件、矛盾冲突，乃至每个人的思想性格。

是一个关于爱情的故事，讲一个男人爱上一个女人，为了她作了一个人能所作的一切，剧中的主角马路是别人眼中的偏执狂，如他朋友所说过分夸大一个女人和另一个女人之间的差别，在人人都都懂得明智选择的今天，算是人群中的犀牛实属异类。

它的经典之处，可以用孟京辉自己的话来诠释：在《恋爱的犀牛》里洋溢着一种不可复制的青春火焰，里面有着爱情、理想和信仰，到今天它依旧在燃烧，依然还能打动今天的年轻人，也许他们从这部戏里找到了自己生命的某种印证。

廖一梅的剧本台词很华丽，惯用排比，充满情绪，音乐回归到了它所应有的无处不在、重要但低调本分的位置。是年轻人会喜欢的一部剧。

讲述了一个奇特的故事：“暗恋”和“桃花源”是两个不相干的剧组，他们都与剧场签定了当晚彩排的和约，双方争执不下，谁也不肯相让。由于演出在即，他们不得不同时在剧场中彩排，遂成就了一出古今悲喜交错的舞台奇观。

好的戏剧离不开好的剧本，《暗恋桃花源》的舞台剧和**自上世纪80年代以来引起轰动，每次重新排演都会引来众多关注，并且广受好评。舞台剧基本上是完全依据赖声川导演自己撰写的这个剧本而进行演出的。

它的经典之处，在于有新鲜的结构，三个故事是不同时间上演的结局很伤感的剧，而交叠在一起，在同一时间里统统袒露的这三个故事，就不再是故事，很可能就是人生。

我想正如赖声川本人所说：“是在场的人专有的一种享受，我们都触到了一些很深的情感，只能意会，不能言传。”美好的回忆和苦苦的等待，不如意的现在和美丽的憧憬，是属于你一个人的，也是所有人都有的。

讲述一位医学院刚毕业的学生第一天到医院上班，结果病房中五位病人，当天死了四位。角色的今生、过去的前世及死亡交织在一起，幻化成生命的旅程。

之所以能称之为经典，就是因为它能经得起岁月的沉淀与探究，《如梦之梦》是一部值得人们去关注的破圈之作。连续十年的巡回演出，已经成为中国最有代表性的文化事件之一。

全剧演出总时长达8个小时，首创环绕形式的剧场，观众坐在舞台莲花池中央区观看整场表演。时间上从民国穿越到现代，空间上连接台北、上海、北京、巴黎、诺曼底，在看似漫长的8小时中，能让观众忘记时间，一眨眼仿佛就到了剧情的终点，就如同做了一场梦。